Página en la que iremos presentando películas que, bajo mi particular prisma, considero merece la pena ver. Algunas conocidas y otras que no lo son tanto a nivel gran público.
Jin líng shí san chai (Flowers of war, Zhang Yimou, 2011)
El excelente director Zhang Yimou (para mí uno de los más destacados de los últimos 25 años) contó con el presupuesto más elevado de la historia del cine chino para adaptar una novela de Yan Geling, Las 13 mujeres de Nankín. Película y novela narran un suceso ocurrido durante la ocupación por parte japonesa de esa ciudad china, actual capital de la provincia de Jiangsu y segunda en importancia de la región tras Shanghái. Los hechos ocurrieron en 1937 y son conocidos como La masacre de Nankín, en la que las tropas niponas se dedicaron al pillaje, violación y matanza de civiles. Todavía hoy se debaten cifras y es un tema candente de las relaciones entre los dos países asiáticos. Realmente, hay pocas cosas que un chino odie más que a un japonés y sucesos como este tienen mucho que ver.
La película tiene como principal escenario un convento católico donde llega un trabajador de una funeraria (excelso, como casi siempre, Christian Bale para enterrar al sacerdote occidental que acaba de morir. Allí quedará recluido con el ayudante del fallecido, las jóvenes estudiantes y un grupo de prostitutas que llegan para refugiarse de la ocupación de la ciudad. Un grupo de personas muy diferentes entre sí pero que tendrán que colaborar en la búsqueda de un mismo objetivo: salvar sus vidas.
Casi 25 años han pasado ya desde que Yimou se diera a conocer al ganar el Oso de Oro de Berlín con su primera película, Sorgo Rojo, cuyo éxito permitiría una nueva expansión del cine oriental (Corea, Taiwan, China, Vietnam...); además, por supuesto, de descubrirnos a la necesaria Gong Li. Desde luego esta no es su mejor película pero es un film destacado, sobre todo dentro del panorama del cine actual. El acabado formal del director (se dice que contó con un presupuesto de 90 millones de dólares) es si cabe más impecable que de costumbre, lo que permite mostrar toda la crueldad de la guerra. Excesivo, sin embargo, el uso de la cámara lenta (al menos a mi gusto).
Como dato curioso, se comenta que Spielberg acabó de convencer a Bale para que aceptara el papel. Bale había trabajado con "el rey Midas" hacía un cuarto de siglo (el mismo año que Yimou rodaba su debú cinematográfico) en Empire of the Sun (El imperio del sol, 1987), una película también sobre los desmanes japoneses, esta vez en la ocupación de Shanghái en 1941. Bale, para los que hayan visto la película, era el niño protagonista que era acompañado por John Malkovich.
Yimou también ofrece una visión de la cruda realidad desde la perspectiva infantil e inocente de una de las estudiantes, Shu. Junto al actor galés también hay que destacar a la guapísima debutante Ni Ni (Yu Mo en la pantalla), así como la fotografía de Xiaoding Zhao, inseparable de Yimou desde La casa de las dagas voladoras. Película dura, interesante y de bella factura.
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Eternal sunshine of the spotless mind (Michel Gondry, 2004)
¿Qué haríamos si fuera posible borrar completamente los recuerdos de una persona o una relación? Esta es la premisa de la que parte el director francés Michel Gondry para ofrecernos una de las mejores películas de la década pasada, Eternal Sunshine of the spotless mind, que toma el nombre de un verso del poema Eloisa to Aberlard del inglés Alexander Pope. En España, donde los que se encargan de esto suelen estar reñidos con la poesís, se le llamó de forma aberrante como ¡Olvídate de mí!, mientras que en latinoamérica se le conoce como Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (más cercano a la traducción del verso de Pope).Gondry ideó la historia junto a Charlie Kaufman, quien finalmente se ocupó del guión como en la anterior película del primero. Desde luego, se nota la mano del extraordinario guionista, que supone un soplo de aire fresco en el Hollywood falto de ideas de nuestro siglo y que, por ejemplo, escribió esas dos genialidades que son las películas de Spike Jonze, Being John Malkovich y Adaptation. Lástima que no se prodigue mucho; o quizá sea mejor así. Aquí elabora un guión que roza la perfección y que gira sobre una pareja que tras la ruptura recurre a los servicios de una empresa encargada de eliminar de la mente los recuerdos del otro.
Esto sirve a Gondry para indagar en las relaciones de pareja, para hablar de las rutinas, de las personas diferentes que viven una vida común, de cómo sólo valoramos y luchamos por las cosas cuando no las tenemos o las hemos perdido y, en definitiva, de los diferentes aspectos que pueden darse en una relación. Inolvidables (a menos que en el futuro nos lo borren) esos intentos de la mente de Joel por escapar junto a la imagen de Clementine del borrado de los últimos recuerdos, mientras que vemos cómo estos van materialmente (vallas, coches, calles ...) desapareciendo.
La película cuenta como otra de las bazas principales con el extraordinario trabajo de los actores, especialmente la pareja protagonista. Igual que lo estrangularía en el resto de sus actuaciones, incluidas The Truman Show (Peter Weir, 1998) y Man on the moon (Milos Forman, 1999), dos filmes que me gustan, aquí hay que aplaudir su labor. Comedido en entonaciones y gestos, alejado de todo lo hecho antes y después, humano y cercano. A su lado la gran actriz inglesa Kate Winslet, que poco a poco se iba quitando el estigma de chica del Titanic y de que la gente no hablara tanto de que por qué no se encontraba al borde de la anorexia como mandan los cánones del cine. Perfecta aquí como irreverente y alocada joven; ella, que se ha criado en el teato inglés y en producciones BBC...
Excelente muestra de originalidad en el cine actual donde todas las piezas encajan, entre ellas la música y una excelente fotografía. Dejo una copia en torrent no de demasiada calidad pero que descarga rápidamente.
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En la película, Beck canta el tema que compuso, a principios de los 80, James Warren para su grupo, The Korgis, Everybody's gotta learns sometime. Aquí dejo la versión para la película con imágenes de la misma.
Jodaeiye Nader az Simin (Asghar Farhadi, 2011)
Sin duda, una de la mejores películas de 2011; lo dejaremos ahí aunque, posiblemente, sea la mejor. La película iraní fue una de las grandes sorpresas de la temporada pasada, ganando diferentes premios en festivales como el de Berlín, donde fue galardonada con el Oso de Oro a la mejor película y también con los de plata a mejor actor (ex-aequo para los tres protagonistas principales) y a mejor actriz (idem para las dos). Por cierto, premios merecidos pero en los que también pudo influir el hecho de que uno de los miembros del jurado, el director de cine Jafar Panahi, no pudiera asistir a ejercer como tal por la sentencia que el gobierno Irán le tiene impuesta, dejando sus compañeros en todo momento su silla libre como reivindicación.
A pesar de lo que pudiera pensarse en un primer momento, el cine iraní es bastante conocido en pequeños círculos y en los últimos años ha dado una colección de grandes películas. Además, en no pocos casos ha ejercido de agente crítico en un país que carece, por ejemplo, de prensa de oposición. Pero el apoyo por el cine sí se ha mantenido por parte de varios dirigentes, que han potenciado su proyección internacional aunque, paradójicamente, algunas obras las hayan prohibido en Irán. Algo es algo para un país cuyos "dos principales activos" son el Corán (o una interpretación arcaica del mismo) y el uranio enriquecido. A pesar de este apoyo, actuaciones como la del Gobierno ante Panahi resultan escalofriantes.
Jodaeiye Nader az Simin (Nader y Simin, una separación) se enmarca pues en la línea de buen cine iraní que ha tenido su principal exposición en festivales internacionales. Su director, Asghar Farhadi, ya se había dado a conocer con su último y excelente trabajo, Darbareye Elly (A propósito de Elly, 2009). Con este nuevo título se unía así al listado de destacados directores iraníes, entre los que se encuentran el ya mnencionado Panahi, Bahman Ghobadi, Majid Majidi, las hermanas Makhmalbaf, el padre de estas Mohsen Makhmalbaf o el ya legendario Abbas Kiarostami, entre otros.
La película parte del inicio del trámite de divorcio de los protagonistas, solicitado porque ella ha obtenido un visado para marchar al extranjero, lo que supondría una oportunidad de mejora para la niña de 11 años que tienen, y él no quiere hacerlo, pues cree que debe permanecer al lado de su padre que padece de Alzhemier. La hija quedará con el padre aunque la madre deja la vivienda. Todo se complicará cuándo tengan que buscar a alguien para cuidar del anciano, lo que irá precipitando acontecimientos.
Este argumento sirve a Farhadi para construir una excelente película, dinámica (ayudada por un montaje de planos cortos en diferentes momentos y una cámara que "persigue" a los personajes) que ofrece pinceladas precisas sobre la situación del país: la justicia, la diferencia cultural entre clases, la diferencia entre sexos, el peso del Corán y la religión sobre la sociedad, los valores de las relaciones matrimoniales... y todo de la manera más cercana posible, posibilitado en parte por unos actores más que creíbles, a los que no les sobra un solo gesto, una mínima enunciación (a Leila Hatami el pelirrojo le sienta excepcional, por cierto).
Una película excepcional, la verdad, de la que se pueden obtener muchos motivos de reflexión. La calificaría de imprescindible. Sólo dispongo localización de versión torrent que descarga rápidamente (abrir con cualquier programa utorrent, bittorrent o similar).
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Torrent (click en get this torrent)Jodaeiye Nader az Simin (Nader y Simin, una separación) se enmarca pues en la línea de buen cine iraní que ha tenido su principal exposición en festivales internacionales. Su director, Asghar Farhadi, ya se había dado a conocer con su último y excelente trabajo, Darbareye Elly (A propósito de Elly, 2009). Con este nuevo título se unía así al listado de destacados directores iraníes, entre los que se encuentran el ya mnencionado Panahi, Bahman Ghobadi, Majid Majidi, las hermanas Makhmalbaf, el padre de estas Mohsen Makhmalbaf o el ya legendario Abbas Kiarostami, entre otros.
La película parte del inicio del trámite de divorcio de los protagonistas, solicitado porque ella ha obtenido un visado para marchar al extranjero, lo que supondría una oportunidad de mejora para la niña de 11 años que tienen, y él no quiere hacerlo, pues cree que debe permanecer al lado de su padre que padece de Alzhemier. La hija quedará con el padre aunque la madre deja la vivienda. Todo se complicará cuándo tengan que buscar a alguien para cuidar del anciano, lo que irá precipitando acontecimientos.
Este argumento sirve a Farhadi para construir una excelente película, dinámica (ayudada por un montaje de planos cortos en diferentes momentos y una cámara que "persigue" a los personajes) que ofrece pinceladas precisas sobre la situación del país: la justicia, la diferencia cultural entre clases, la diferencia entre sexos, el peso del Corán y la religión sobre la sociedad, los valores de las relaciones matrimoniales... y todo de la manera más cercana posible, posibilitado en parte por unos actores más que creíbles, a los que no les sobra un solo gesto, una mínima enunciación (a Leila Hatami el pelirrojo le sienta excepcional, por cierto).
Una película excepcional, la verdad, de la que se pueden obtener muchos motivos de reflexión. La calificaría de imprescindible. Sólo dispongo localización de versión torrent que descarga rápidamente (abrir con cualquier programa utorrent, bittorrent o similar).
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Trailer en castellano (qué mal suenan los persas en español)
Memento (Christopher Nolan, 2000)
Podríamos hablar ya de un clásico del siglo XXI, que ha ido ganando adeptos con el tiempo y con la justa fama que progresivamente ha ido adquiriendo su director, aunque desde un primer momento fue un éxito de público y crítica estando nominada a algún premio importante. Entre ellos a los comerciales O$car$ y a los Globo$ de Oro, lo que ayudó aún más al aumento de las cifras de taquilla.
Nolan, en fines de semana, había rodado su primer largo, Following, en blanco y negro y que vimos unos cuantos, pero que puede definirse como un pequeño éxito, pues tuvo buenas críticas y recuperó la paupérrima inversión inicial: 6.000 dólares. Esto hizo que la Newmarket Film produjera su siguiente guión, que basó en una historia inventada por su propio hermano. Memento se rodó en 25 días y con un presupuesto de unos 5 millones de dólares, unos 4 de euros, aunque alguna fuente afirma que subió un poco de esa cifra. Es decir, producción modesta incluso para el denominado cine independiente. A pesar de ello, pudo contar con Guy Pearce, que había destacado en LA Confidential (Curtis Hanson, 1987), y con Carrie-Anne Moss y Joe Pantoliano, quienes venían del éxito de Matrix (Wachowski Brothers, 1999).
La principal baza de la película es el guión, que presenta como centro de la historia a Leonard Shelby, un agente de seguros que padece de "amnesia anterógrada", una enfermedad que no le deja recordar nada más allá de diez minutos, por lo que vive a saltos, sin poder recordar quién es o dónde vive (aunque desarrollará técnicas para saber lo esencial como hacer fotografías o dejar notas en cualquier lugar, reservándose el cuerpo para las más importantes). Esta enfermedad la padece desde que sufrió un fuerte golpe la noche que asesinaron a su esposa y en la que mató a uno de los responsables; el otro escapó y es lo que está intentando hacer: capturarlo y acabar con él.
Como ya hizo en su primera película, Nolan enriquece este buen material jugando con la estructura narrativa. En este caso, cuenta la historia hacia atrás y dividiéndola en períodos de tiempo cuya duración es más o menos la misma que la memoria de Leonard. Junto a la acción principal hay otra, presentada en blanco y negro sobre uno de los casos que el protagonista tuvo que afrontar en su trabajo, y que al final de la película hace coincidir con aquella. Y es este recurso lo que convierte la película en genial, además de acercarnos al drama y la confusión que padece el personaje.
Todo esto, junto a la existencia de algún cabo suelto (¿intencionadamente?) hace que todavía haya debates sobre la película o que aparezcan nuevas explicaciones o teorías. También hay quien, directamente, no la entiende. Incluso, por la red circula un montaje donde ordena la película ¡cronológicamente! En varios listados que pueden encontrarse por internet está colocada muy arriba en clasificaciones de mejor película, aunque lo veo exagerado. Me parece excelente pero no para figurar, por ejemplo, entre las 20 de todos los tiempos; pero claro, la gente ha visto poco cine. A partir de aquí Nolan se convertiría en uno de los mejores directores actuales, siendo mitificado por, entre otras cosas, hacer las mejores adaptaciones de un personaje de cómic (Batman).
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Como ya hizo en su primera película, Nolan enriquece este buen material jugando con la estructura narrativa. En este caso, cuenta la historia hacia atrás y dividiéndola en períodos de tiempo cuya duración es más o menos la misma que la memoria de Leonard. Junto a la acción principal hay otra, presentada en blanco y negro sobre uno de los casos que el protagonista tuvo que afrontar en su trabajo, y que al final de la película hace coincidir con aquella. Y es este recurso lo que convierte la película en genial, además de acercarnos al drama y la confusión que padece el personaje.
Todo esto, junto a la existencia de algún cabo suelto (¿intencionadamente?) hace que todavía haya debates sobre la película o que aparezcan nuevas explicaciones o teorías. También hay quien, directamente, no la entiende. Incluso, por la red circula un montaje donde ordena la película ¡cronológicamente! En varios listados que pueden encontrarse por internet está colocada muy arriba en clasificaciones de mejor película, aunque lo veo exagerado. Me parece excelente pero no para figurar, por ejemplo, entre las 20 de todos los tiempos; pero claro, la gente ha visto poco cine. A partir de aquí Nolan se convertiría en uno de los mejores directores actuales, siendo mitificado por, entre otras cosas, hacer las mejores adaptaciones de un personaje de cómic (Batman).
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Le Trou (Jacques Becker, 1960)
Le Trou (La evasión en España, aunque podría haberse traducido como El agujero) es otra de esas obras maestras que, aunque quizá no demasiado conocidas, forma parte de mis preferencias y/o debilidades cinematográficas (como otro título ya citado aquí, Seppuru). Su director, un Jacques Becker al que debemos otros importantes títulos de la Francia cinematográficamente pre-novelle vague, especialmente la excelente Casque d'or (París, bajos fondos, 1952), murió antes de su estreno, debiendo terminar algunos detalles de la producción su hijo y más tarde también realizador Jean Becker.
Está basado en hechos reales recogidos en una novela de José Giovanni, quien había vivido los acontecimientos en primera persona. Además, Becker contó (junto a otros actores no profesionales y alguno semi-profesional que ejercía de extra en otras películas) con otro de los protagonistas de los hechos que se narran, Jean Kéraudy. Excepto este, el resto de los principales actores desarrollaron posteriormente una carrera, mejor o peor, en el cine.
Con un argumento extremadamente sencillo, el intento de fuga de una prisión, Becker crea esta extraordinaria película que logra mantener en todo momento nuestro interés, pesar de ocurrir la mayor parte en una celda. Pero con esas interpretaciones puras y con los sonidos de las acciones que emprenden le basta; no le importa recrearse en cómo quitan las maderas o van taladrando un túnel, ya que lejos de aburrir esto no hace sino captar más y más nuestra atención y alimentar nuestra esperanza. Una verdadera lástima que Becker muriera tan sólo con 54 años y tras haber logrado rodar su mejor película, pues podría haber dado alguna otra obra maestra.
Toda la película en sí es excelente, con el aura presente en toda ella de esa amistad que se desarrolla entre varios hombres condenados a vivir en la misma celda, pero si tuviera que quedarme con alguna escena es con aquella de la última vez que usan "el periscopio" creado para mirar el tránsito de la guardia en la galería. La verdad es que es una película inolvidable y que merece ser vista una y otra vez. Del interesante subgénero de peliculas carcelarias, que ha dado grandes obras, una de las mejores; quizá el primer puesto sólo le sería disputado por otra película francesa, Un condamné à mort s'est échappé (Un condenado a muerte se ha escapado, Robert Bresson, 1956). En el tercer cajón del podio, ahora se me ocurre Shawshank Redemption (Cadena perpetua, Frank Darabont, 1994). Por cierto, vaya manera esta última de cargarse un título tan atrayente como el original, aunque todavía mejor el del relato de Stephen King en el que está basada: Rita Hayworth and Shawshank Redemption.
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DVDRip - Avi - Resolución: 608 x 352 - 697 + 692 MB (Tomado de PATIO DE BUTACAS)
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Subtítulos:
CD 1: http://www.mediafire.com/?asjaxl1u1drk9xs
CD 2: http://www.mediafire.com/?x1y2ix95e60jfpy
One, two, three (Billy Wilder, 1961)
Apoteósica comedia del maestro Wilder donde da rienda suelta a su acidez e ironía. Junto a su habitual colaborador I.A.L. Diamond (y basándose en una obra de teatro de Ferenc Molnár), el genial director de origen austríaco presenta una comedia de ritmo endiablado donde saca a pasear su látigo y fustiga sin piedad a todo lo que se mueve. El escenario, el Berlín de la Guerra Fría. Recordemos que será en agosto del año en el que la película se estrena, 1961, cuando se levante el muro que mucho más tarde será llamado "de la vergüenza", incluso por aquellos (muchos caraduras que hubieran sido machacados sin piedad por el director en algún filme) que durante años defendieron "el estilo soviético" y que ahora dirigen las principales fuerzas políticas y económicas de los países occidentales.
One, two, three cuenta las vivencias del máximo dirigente de Coca-Cola en Berlín, Mr. Macnamara, (codicioso y feliz padre, esposo y amante) cuyo objetivo para seguir creciendo en la empresa es intentar venderle a los soviéticos su producto. La oportunidad se le presentará cuando su superior de Atlanta le confiera la protección de su joven, alocada y enamoradiza hija, que conocerá a un joven de Berlín Este, claro exponente del "mundo revolucionario".
Este contraste entre la joven frívola y millonaria y el comunista pobre que sueña con cambiar el mundo (¿para bien?) le sirve a Wilder para criticar con su característico despiadado humor a todo aquel que pueda salir a su paso: las multinacionales, los directivos de estas, los alemanes que quieren ocultar o niegan su pasado nazi, las pacientes esposas que saben de las infidelidades de su marido, los dirigentes comunistas que en medio de la pobreza generalizada tienen una situación acomodada, el lavado de cerebros, el modelo de vida soviético, cómo el dinero te puede convertir en un déspota en un modelo capitalista, etc.
Uno de los únicos problemas de esta grandiosa película es que si dedicas a algún gag o comentario las risas que merece, corres el riesgo de perderte el siguiente, que puede ser igual o mejor. El ritmo es abrumador, aderezado en alguna que otra ocasión (especialmente en la incursión al Berlín Este) de manera sublime con La danza del Sable de Kachaturian. Para la historia, todo este viaje a la parte comunista de la ciudad; la explicación de la Kremlin-Cola, una bebida que fue dada a probar por la URSS en los países satélites y que en Albania fue empleada para lavar a las ovejas; la ironía que en cada frase destila Arlene Francis (la mujer de MacNamara); el intercambio de los soviéticos con Cuba de habanos de baja calidad por misiles igualmente paupérrimos... y, sobre todo, creo que la mejor interpretación del mítico James Cagney, incluso superior a la que le dió el Óscar, Yankee Doddle Dandy (Yankee Dandy - Michael Curtiz, 1942), o aquel legendario Cody Jarret de White Heat (Al rojo vivo - Raoul Walsh, 1949)
Como curisiodades, Cagney se despidió aquí del cine y sólo volvería a aparecer 20 años más tarde en la película de Milos Forman Ragtime. Irónicamente, el público respondió... de manera fría e incluso arreciaron las críticas sobre tratar con humor un tema tan delicado. Se reestrenó en 1986 y fue un éxito, el que hubiera merecido en su día. También hay algo de homenaje a uno de los mentores de Wilder, Ernst Lubitsch y su película Ninotchka, de la que Billy fue uno de los guionistas (y en la que la Garbo reía por primera vez en la pantalla).
Desde luego, merece un (re)visionado. Y Wilder, por supuesto, entre los mejores de la historia.
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DVDRip - MKV - Resolución: 720 x 432 - 1,24 GB (Tomado de PATIO DE BUTACAS)
Enlace:
http://speedy.sh/wdZMf/One-Two-Three-Billy-Wilder-1961.mkv?ref=57504
Subtítulos:
http://speedy.sh/9MxUh/One-Two-Three-Billy-Wilder-1961.srt?ref=57504
Negociación capitalista
Paris, Texas (Wim Wenders, 1984)
Paris, Texas es uno de los títulos más (re)conocidos del director alemán Wim Wenders y, también, uno de los mejores de su extensa filmografía en la que ha alternado documentales y cine de ficción. Y, dentro de este, grandes títulos como las en España llamadas Alicia en las ciudades (Alice in den Städten, 1974), En el curso del tiempo (Im lauf der Zeit, 1975), El amigo americano (Der Amerikanische Freund, 1977) o El cielo sobre Berlín (Der Himmel über Berlin, 1987), junto a otros títulos de menor calidad y alguna que otra cinta infumable.
Tras el grave fracaso económico que supuso El hombre de Chinatown (Hammett, 1982), rodada en USA para la productora Zoetrope de Coppola, Wenders volvía a rodar en ese país (Los Ángeles, Texas) pero en una producción franco-alemana. Y conseguía esta magnífica, desgarradora e inolvidable película: una especie de road movie real y sentimental en la que un hombre que ha estado 4 años desaparecido y escondiéndose de todos y de sí mismo, inicia un viaje para encontrar tanto a alguno de sus seres queridos como para intentar reparar aquello que en su momento se hizo añicos. El director arriesgaba usando al actor Harry Dean Stanton como protagonista (unos de sus pocos roles principales) que está bastante afortunado en su papel. Sin embargo, casi es expulsado de la pantalla cuando en ella aparece la maravillosa Nastassja Kinski, aquí con 23 añitos y que había debutado a los 14 en una película de este realizador basada en el Fausto de Goethe: Falso movimiento (Falsche Bewegung, 1975).
Para la historia ya, la impresionante y agónica escena que ambos protagonizan en el peep-show, siendo incapaces de decirse sus sentimientos pasados y errores mirándose a la cara. También será recordada esta película por la banda sonora, a cargo de Ry Cooder y su guitarra slide, que durante mucho tiempo también fue sintonía del programa de la 2 de TVE, Documentos TV, presentado y dirigido por Pedro Erquicia antes de que este se metiera a casamentero al servicio de periodistas ex-am...igas de millonarios mexicanos, con aspiraciones reales o realistas y tabiques nasales que reparar.
Unas cosas y otras convierten a Paris, Texas en una película de imprescindible visionado. Pero por encima de Cooder o de la turbadora belleza de la Kinski, lo es por esa crudeza en describir cómo los humanos podemos tirar por la borda lo más preciado que tenemos; y lo hace de la forma más sutil que pueda hacerse, a través de dos personas que no pueden decirse los errores cometidos a la cara y lo hacen a través de un teléfono cuando hay un metro de distancia entre ellos.
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DVDRip - AVI - Resolución: 720 x 400 - 1,00 GB
Torrent (a 12-06-2012 se descarga en 2 horas)
Subtítulos (Si están brevemente adelantados es muy fácil retrasarlos -1 segundo ó -1,2 haciendo esto. Es para un reproductor que recomiendo, el VLC Media Player).
R. Cooder y Paris, Texas
El Sur (Víctor Erice, 1983)
El recomendar películas sin ningún orden ni lógica preestablecida, guiándome por ocurrencias o estados de ánimo, me ha llevado a sorprenderme de que esta sea la tercera película española de la que hable aquí. Y no es que tenga nada en contra del cine español (sí contra algunos millonarios falsos que no falsos millonarios que lo integran), sólo que la producción de calidad de este respecto a la de otras cinematografías es más bien escasa. No entro a valorar las razones de que esto sea, o me lo parezca, así porque sería muy extenso.
Pero las tres películas que aquí he referido lo merecen. Si tuviéramos que hacer un listado de las 10 mejores películas españolas, creo que Surcos quedaría a las puertas del mismo, pugnando por entrar en él. Las otras dos, Plácido y El Sur (la que hoy nos ocupa) deben estar sí o sí, excepto que se cometa un crimen cultural de primera magnitud.
El Sur es la segunda película del genial Víctor Erice, rodada y estrenada 10 años después de su opera prima, El espíritu de la colmena (1973) que, por supuesto, también recomiendo. Desde entonces, sólo ha vuelto a dirigir el documental sobre el proceso de creación del pintor Antonio López llamado El sol del membrillo (1992). Algún cortometraje, programas para television (siempre presentes entre los largos períodos sin hacer cine) y su labor de crítico lo han mantenido ocupado en relación con esta profesión. No siempre ha sido por él y por su, argumentado por muchos, "misticismo a lo Kubrick" sino que también hay diferentes proyectos fallidos. Quizá el más conocido sea la adaptación de la novela de Juan Marsé El embrujo de Sanghai, de la que creó un guión pero cuyas desaveniencias con el productor Andrés Vicente Gómez hicieron que la película la acabara rodando Fernando Trueba, que la convirtió en una de sus peores obras (a su lado la floja Two Much parecería una cinta lograda).
Pese a que El Sur, tal y como nos ha quedado, es una obra maestra, se trata de una película inacabada. Fue concebida como formada por dos partes. La primera (la que tenemos) se desarrollaba en "el norte" y la segunda en ese evocado sur. Mucho se ha hablado sobre los motivos por los que la película no terminó de rodarse según el guión previsto. Erice siempre ha afirmado que él estaba cumpliendo con los plazos de rodaje previstos y que terminaríala película sin emplear más días ni más dinero del estipulado. Por su parte, el mítico productor Elías Querejeta a veces ha afirmado que esto no era así; también ha dicho que creía que lo que se rodara después no ayudaría a mejorar el material que ya se tenía y que la película ganaría más tal y como ha quedado. Otras fuentes han afirmado que la película debía recibir una aportación económica (¿de TVE?) que no llegó, por lo hubo que tomar medidas.
Sea como fuere, la película deja temas que me gustaría fueran explicados, aunque hay otras muchas películas que no tendrán continuación y que dejan también diferentes cabos sueltos. Lo que sí es una auténtica pena es que Erice se haya puesto tras la cámara en tan pocas ocasiones poseyendo el grandioso talento que ha tenido. Ahora, a sus 71 años ya lo veo difícil. Un talento más (en cuanto a cantidad) desperdiciado en este país.
A destacar la interpretación de Omero Antonutti, las niñas Sonsoles Aranguren e Icíar Bollaín (que siguió vinculada al cine como actriz y, más tarde, directora) y la gran en todos los sentidos Rafaela Aparicio, quien se come a todos en su breve aparición. José Luis Alcaine hace uno de sus mejores trabajos como director de fotografía, especialmente en los interiores de la casa (La gaviota), con reminiscencias del tenebrismo. Y nunca un pasadoble ha sonado mejor en pantalla como aquí En er mundo, de Quintero y Fernández Lorenzo. La escena casi final, con él de fondo procedente de una boda en un salón aledaño al comedor donde están Estrella y su padre, es una de las más bellas del cine.
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DVDRip - AVI - Resolución: 640 x 448 - 687 MB
En esta ocasión, dejo un enlace a torrent que a fecha actual (08-06-2012) se descarga en menos de 2 horas (con cualquier programa tipo bitTorrent, uTorrent, etc.)
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The Duellists (Ridley Scott, 1977)
Pocos directores han tenido una entrada en el cine tan espectacular como el inglés Ridley Scott. Quizá Eisenstein, Welles y algún que otro genio. Y es que el inglés, aunque llegó a la edad de 40 años, los tres primeros títulos que dirigió fueron The Duellist, Alien (1979) y Blade Runner (1982). Sencillamente espectacular. Las dos últimas no necesitan presentación, son dos de los hitos de la llamada ciencia-ficción. Pero la primera es mucho menos conocida y, aunque puede no llegar a la calidad de sus sucesoras, es una excelente película que merece la pena reivindicar.
Sir Ridley Scott desembarcaba en el cine tras una longeva carrera como realizador de spots publicitarios e incursiones en la producción televisiva. Desde luego, esto le vendría de maravilla para manejar con gran eficiencia unos recursos (económicos) limitados. Para su debú cinematografico adaptó un relato del gran escritor, polaco aunque con el inglés como lengua literaria, Joseph Conrad que narraba los diferentes duelos (o la prolongación de uno mismo) que envuelven a dos tenientes de húsares de la Grande Armée, Feraud y D'Hubert, en el marco de las Guerras Napoleónicas.
Scott, a pesar de las estrecheces presupuestarias, contó con dos actores en ascenso como Keith Carradine (D'Hubert) y Harvey Keitel (Feraud), asi como con algún gran nombre de la escena británica como Edward Fox y los míticos Robert Stephens y Albert Finney. Se comenta, también, que esta película nace fruto de la admiración que ejerció Barry Lindon (Stanley Kubrik, 1975) sobre el futuro director de cine.
Lástima que tras esa obra maestra que fue Blade Runner, Scott comenzara a hacer películas de un nivel muchísimo inferior y sólo en alguna rara ocasión volviera a los primeros planos, lo que ocurrió con Thelma & Louise (1991) y, sobre todo, con la para mí sobrevalorada Gladiator (2000). El éxito en todos los sentidos de esta lo instaló de modo definitivo en la fama dándole libertad para hacer y deshacer. No considero esta etapa demasiado afortunada cinematográficamente hablando, aunque American Gangster (2007) es una excelente cinta.
Lástima que tras esa obra maestra que fue Blade Runner, Scott comenzara a hacer películas de un nivel muchísimo inferior y sólo en alguna rara ocasión volviera a los primeros planos, lo que ocurrió con Thelma & Louise (1991) y, sobre todo, con la para mí sobrevalorada Gladiator (2000). El éxito en todos los sentidos de esta lo instaló de modo definitivo en la fama dándole libertad para hacer y deshacer. No considero esta etapa demasiado afortunada cinematográficamente hablando, aunque American Gangster (2007) es una excelente cinta.
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Seppuku (Masaki Kobayashi, 1962)
Y ha tocado hablar de (redoble largo de tambor) la grandiosa Seppuku (o Harakiri). Si me pidieran hacer un listado de cierto número de películas, además de volverme loco sé que este film entraría en él. Y creo que el director, Masaki Kobayashi, también estaría en una lista sobre los mejores realizadores. Kobayashi quizá no sea tan conocido como otros cineastas japoneses, especialmente los comúnmente conocidos como los "tres grandes": Kurosawa (el más famoso en occidente), Mizoguchi y Ozu. Pero cuenta con algunas buenas películas y con 6 obras maestras sin discusión (El más allá, la trilogía de La condición humana, Samurai Rebellion y este título). Y posiblemente por encima de todas se encuentre esta maravilla.
Cuenta la historia de un empobrecido samurai que acude a la casa de su antiguo señor para solicitar un lugar digno donde poder suicidarse bajo el rito del seppuku (harakiri en términos coloquiales). Antes de hacerlo, una serie de flash-backs narrarán los hechos que le han llevado a esa situación. Destacar la interpretación de Tatsuya Nakadai que, aunque no se encuentre en el nivel de excelencia de Toshiro Mifune (este es uno de los mejores actores de la historia), recoge ese grado de melancolía que requiere el personaje. Nakadai protagonizó casi todas las grandes películas del director (Samurai Rebellion junto al mítico Mifune) y también colaboró bastante con Kurosawa, coincidiendo en alguna ocasión más también con este y con otro de los grandes actores nipones, Takashi Shimura.
En 2011 fue objeto de un remake por parte de Takashi Miike que, sin ser malo, dista años luz de esta obra maestra perteneciente a una de las cinematografías más enriquecedoras y de la que seguro hablaré en bastantes ocasiones.
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Surcos (José Antonio Nieves-Conde, 1951)
Surcos es una auténtica joya del cine español, quizá poco conocida, escasas veces incluida en listados de nuestras mejores películas, pero una auténtica joya. Y con un gran significado en la historia de la cinematografía española, además de un cinta valiente: de esas que intentaba la crítica (o autocrítica) cuando era díficil hacerla: es decir, ad hoc y no 30 ó 40 años después. Claro que es más fácil hacer esto último y tener a los "riegracias" y aduladores varios diciendo que derrochas valentía... cuando en muchos casos no la tuviste mientras gobernaban los impresentables a los que atacas (y en no pocos casos vivías "de ellos").
Esta película puede ser encuadrada en el movimiento cinematográfico del neorrealismo, siendo un intento de acercar el cine español a este movimiento iniciado en Italia en los años 40 (alguna de sus obras habrá que recomendar aquí, por supuesto). Aquí, una familia llega del campo a la ciudad y el director contará sus intentos de adaptación al nuevo medio; y lo hará de la forma más fiel posible, lo que lleva a tratar problemas como la inadaptación, el estraperlo o la prostitución, además de dejar constancia de ese éxodo masivo hacia las ciudades que oficialmente se negaba. Sí, esto se narra en 1951.
Lógicamente, Surcos encontró todos los problemas posibles y casi un único apoyo, en el recién nombrado Director de Cinematografía y Teatro: José María García Escudero. De hecho, esta institución le confirió la categoría de película de "interés nacional", que casi estaba reservada a aquellas que constituían exaltaciones patrióticas históricas o de los principios del movimiento. En ello influyó, en mi ponión, que la anterior película del director hubiera sido Balarrasa y, también, que tanto él como parte de los productores eran falangistas (al igual que lo había sido García-Escudero), aunque me gustaría creer que fue únicamente por méritos de la película. Como ejemplo, ese año alcanzó el honor frente a otros títulos como Alba de América de Juan de Orduña, "excepcional" visión del descubrimiento/inicio de exterminación de América, producción de la todopoderosa CIFESA (que empezaba a flaquear). Este otro film, que recomendaré para aquellos que quieran encontrar un motivo para abrirse las venas, tuvo como asesor/supervisor del guión a un mítico "hombre de cine", Carrero Blanco. Y tiene algunas de las escenas más sonrojantes de la historia, como el bautizo final de los niños indios en el que uno de estos mira hacia el cielo a punto de entrar en éxtasis y comienza a rezar (como si toda la vida hubiera vivido en Chamberí, vamos).
El final original de Surcos fue prohibido por la censura (me sorprendo que no lo fuera la película entera), que había calificado de "muy duro" el contenido social de la película, cuyo guión aparecía firmado por el propio realizador y el genial Gonzalo Torrente Ballester, algo más ducho este que Blanco. La Iglesia, por su parte, la calificó de "película gravemente peligrosa". El escándalo se saldó con la dimisión de García-Escudero, que volvería al puesto a principios de los años 60 llamado por el Ministro de Información y Turismo, Manuel Fraga. García- Escudero, alguien lo recordará, llegó a ser instructor del 23-F.
La película está protagonizada por María Asquerino y Luis Peña. Además, como curiosidades, también aparecen, jovencísimos, Marujita Díaz y Pedro Peña (el insufrible abuelo ese que pululaba por la escalofriante Médico de familia). También José Guardiola, conocido especialmente por ser un mítico actor de doblaje (aunque creo que todo doblaje supone una mutilación espantosa).
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No man's land (Danis Tanovic, 2001)
Otro ejemplo de "humor balcánico". Entre 1992 y 1995 se desarrolló la llamada Guerra de Bosnia, en la que Yugoslavia intentó evitar el proceso independentista de Bosnia-Herzegovina, país que fue apoyado por el "nuevo" estado de Croacia, así como también por la OTAN y la ONU. Casi todos recordaremos como diariamente manejábamos vocablos como limpieza étnica, serbobosnio, serbocroata, bosnio-musulmán, etc. y cómo nos impactaron los odios que podían abrigar unas etnias (y unas personas) que hasta pocos meses antes se habían encontrado aparentemente viviendo unidas y de manera pacífica. Aunque fuera bajo un estado totalitario.
Unos años después, el director bosnio Danis Tanovic, que había seguido al ejército de su país rodando imágenes del conflicto, lanzaba esta excepcional comedia cargada de ironía que quería denunciar lo absurdo de la situación. La acción ocurre en 1993, cuando un soldado del bando bosnio y otro serbio coinciden en una trinchera en tierra de nadie, debiendo salir vivos de allí pero, a su vez, como captor y no como capturado. Por supuesto, nadie se salva de la punzante crítica de Tanovic: ejércitos, medios de comunicación, ONU...
El filme cuenta con la excelente interpretación de los actores Branko Djuric y Rene Bitorajac y logró varios premios internacionales en festivales (San Sebastián, Cannes), llegando incluso a ganar esa estatua tan cinematográficamente devaluada que suelen dar en USA, en la categoría a la mejor película extranjera. Aquí al menos había buen nivel, pues otras dos nominadas fueron Amélie de Jean-Pierre Jeunet y la adorable El hijo de la novia, de Campanella. En esa edición se llevaron alguna nominación pero no fueron premiadas Memento (Christopher Nolan, 2000) y Mulholland Drive, del genial David Lynch (que alguno recordará por las escenas lésbicas entre Naomi Watts y Laura Harring). Ni quiero acordarme de qué premiarían en vez de estas dos...
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Ko to tamo peva (Slobodan Sijan, 1980)
Ko to tamo peva, también conocida o desconocida como Línea no regular, es una magnífica y sorprendente película yugoslava (hoy habría que decir serbia) de comienzos de los 80. Su director, Slobodan Sijan había realizado diferentes trabajos para la televisión de su país y es a principios de esa década cuando sorprende con una serie de cintas cargadas de humor corrosivo. Junto a Ko to tamo peva podríamos destacar también Maratonci trce pocasni krug (The Marathon Family, 1982) y Davitelj protiv davitelja (Dos estranguladores andan sueltos, 1984).
Si algo han demostrado de sobra los habitantes de los Balcanes es su capacidad innata para ser una fuente de conflictos, odios y rencores, cuyo intento de mínima explicación daría para un año de blog. También para desarrollar (quizá por la anterior razón) un humor cáustico y ácido que deja el británico a la altura del betún. Aunque la máxima figura haya sido el excelente Emir Kusturica, del que desde ya recomiendo toda su filmografía, ha habido otros directores y alguno contemporáneo o anterior a él como el que nos ocupa. Recordemos que Kusturica estrena una primera película en 1981 (Sjecas li se Dolly Bell, 1981) y el resto de su producción verá la luz cuando las obras de Sijan ya están ahí. Sí, creo que algo influyó este en "el genio de Sarajevo".
Ko to tamo peva es una road movie cargada de humor absurdo que cuenta las peripecias de los viajeros de un autobús que hace el trayecto desde el interior del país hasta Belgrado en los comienzos de la Segunda Guerra Mundial. El guión es un prodigio y su autor, Dusan Kovasevic, será el guionista de algunas míticas películas yugoslavas de la década (Sabirni Centar, Poseban Tretman...), el autor de la historia de Underground de Kusturica y también el director de la más que excelente Balkanski spijun.
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Canción de la película
Plácido (Luis García Berlanga, 1961)
Aunque casi cualquier persona algo aficionada al cine, en una
conversación sobre Berlanga, nombraría primero Bienvenido Mr Marshall,
El verdugo, La escopeta nacional o, incluso, La vaquilla, considero que
esta película se encuentra por encima de las otras y constituye su obra
más redonda. Plácido es la primera colaboración de Azcona con el director valenciano (también aparecen acreditados JL Colina y JL Font) y ambos vierten todo su sarcasmo e ironía en esta crítica genial y despiadada de la falsedad humana. Para ello se basan en una campaña de la época franquista, "siente un pobre a su mesa", algo así como un precedente de los actuales Tele-maratones.
A destacar, como siempre, el reparto coral de Berlanga que cuenta con una serie de actores geniales que de haber nacido en USA tendrían su merecida estrella en el Paseo de la fama deHollywood Boulevard: Castro Senda Barrufet Cassen (que debutaba en cine), Elvira Quintillá, Manuel Alexandre, José María Caffarel, José Luis López Vázquez, Amparo Soler Leal, Antonio Ferrandis, Agustín González, Luis Ciges... y, también, los planos-secuencia especialidad de la casa, en los que la cámara acompaña a los actores sin que se produzca cambio en los planos hasta que termina cada uno de ellos.
Una de las obras maestras de un Berlanga que, lejos de pasar de moda parece estar cada vez de más rabiosa actualidad en un país que cada poco tiempo muestra su carácter "berlanguiano" (¿austro-húngaro también?)
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DVDRip - MKV - Resolución: 720 x 550 - 1,57 GB (Cortesía PATIO DE BUTACAS)
Humor corrosivo de Berlanga
Festen (Thomas Vinterberg, 1998)
La película fundacional del movimiento fue Festen (Celebración), dirigida por Vinterberg, aunque no aparece como tal en los títulos de crédito, ya que esta era otra de las prohibiciones. También es conocida como Dogma #1. Festen es la mejor película Dogma, a mi juicio, además de una cruel puñalada trapera a lo que en otro tiempo podríamos tildar de alta burguesía.
Evito entrar aquí en valoraciones sobre el movimiento en sí o sobre el idolatrado u odiado Von Trier (al que no se puede negar que ha hecho grandes películas). Sin embargo, sí considero necesario revisar esta película, a pesar de que pueda ofrecer la imagen de un cine deslabazado y con miles de carencias técnicas. Es lo que buscaba el Dogma: apartar las películas de todo aquello superficial para la historia, de todo su envoltorio, que había llegado a ser más importante que el contenido (crítica directa, especialmente, al cine de Hollywood y sus "imitaciones" europeas).
Enlaces descarga directa (no soy el responsable, of course):
DVDRip - AVI - Resolución: 480 x 352 - 699 MB (Cortesía PATIO DE BUTACAS)
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Subtítulos en español:
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Im Juli (Fatih Akin, 2000)
Im Juli es una road movie que comienza en Hamburgo y acaba en Estambul, previo paso por Austria, Hungría, Rumanía y Bulgaria. También es un viaje en busca del amor, confiriendo a la película el carácter de comedia romántica muy por encima de las producciones USA de este tipo.
Cabría destacar el reparto formado en sus principales papeles por Moritz Bleibtreu y el atractivo elenco femenino: Idil Üner, Branka Katic y, ante todo, Christiane Paul.
Ficha IMDB
Enlace a torrent (señores del FBI yo no soy el autor del mismo, sólo procuro el link)
Subtítulos en español
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Como en todas las películas de Akin, la música tiene una gran importancia. Aquí, como muestra, esta preciosa canción.
Gracias por tus recomendaciones. Especialmente estaba buscando info sobre la película de I'm July de Fatih Akin. Y me agradó la descripción que hiciste. Es de mis favoritas ésta última por los paisajes, los viajes, la música y la historia. Veré las otras pelis que recomiendas ;)
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